Mi proyecto final tiene como punto de partida la historieta que presenté como entrega parcial en la PEC2 y que me encantaría que fuese el germen de un proyecto personal más a medio plazo.

Todo nace de la inspiración del cómic «Las Meninas» de Javier Olivares y Santiago García (si no lo habéis leído os lo recomiendo como una joya preciosa del panorama del cómic nacional), y que, como he comentado, tengo como proyecto a futuro realizar algo parecido sobre Caravaggio.

La figura de Caravaggio (o su obra mejor dicho) me tiene obsesionado y me gustaría utilizar su «aura» de maldito para lanzar una reflexión algo más pausada sobre el arte en sí.

Comparto aquí, de forma resumida, algunas reflexiones que incluí en mi Dossier en la escritura reflexiva de la entrega final de la PEC2:

«Caravaggio gozó, se puede decir, de reconocimiento durante su vida (otra cosa es cómo lo gestionara). De hecho, creó escuela y en cierto modo trascendió su obra ya en vida, siendo imitado su estilo por artistas contemporáneos (no por nada a Ribera lo llamaban el Caravaggio español). Si bien es cierto que luego cayó en el más absoluto olvido durante tres siglos (“hasta que lo rescatara para el público el crítico Roberto Longui hacia 1920, quién reconoció su influencia “sobre todo el siglo XVII e incluso más allá, hasta Delacroix, Géricault, Courbet y Manet” …/… “ O Giuliano Briganti, secretario de Paul Valery, quien escribió que “lo que después del Renacimiento comienza con Caravaggio es sencillamente la pintura moderna”. CARAVAGGIO” de Gilles Lambert, ed. Taschen colección sacada por El País, página 8), puede decirse que vivió la denominada “fama del artista” en vida (repito, otra cosa es cómo la despilfarrara).

Pero ¿pintó Caravaggio exactamente lo que quería en cada momento? ¿Es el arte precisamente eso, pintar lo que se quiere y cuándo se quiere? Debemos contextualizar al menos un poco, pues en aquella época el mecenas lo era todo, y cuando hablamos de mecenas, más allá de particulares, existía un gran mecenas goloso: la Iglesia católica, y como tal el arte sacro marcaba la línea a seguir. Pues bien, para mí Caravaggio refleja a la perfección lo que debe ser el arte, pues incluso en los encargos más prestigiosos, incluso cuando su fama estaba en todo lo alto, era capaz de darle al cuadro el toque transgresor, la marca personal, que hacía que no existiese sometimiento del artista al mecenas (pienso en los encargos de la Virgen de Loreto o en el de La Virgen de los Palafreneros, donde precisamente cuando recibe un encargo para San Pedro, como dice Longui “en el momento donde se le ha hecho el más claro llamamiento a la responsabilidad y a su ambición, Caravaggio se siente empujado a la interpretación más brutal” – CARAVAGGIO” de Gilles Lambert, ed. Taschen colección sacada por El País, página 75- . Quiero pensar que eso, o al menos para mí, eso es arte. Saber siempre cuál es tu estilo, qué quieres transmitir, y no doblegarte al mero mecenazgo o encargo vacío. El artista, creo, debe ser lo opuesto a lo que hoy en día son las IA. No pretendo romantizar la figura de Caravaggio, pero sí su obra. Al menos a mí me resulta inspiradora».

Para el proyecto artístico final, se proponen dos opciones, y en la B se habla, entre otras posibilidades, de entregar un mínimo de 8 viñetas y eso es justo lo que quiero hacer: hablar sobre el arte sin mecenas, si es posible éste, y relacionarlo con la rebeldía de Caravaggio incluso cuando más cotizado estuvo.

Estoy trabajando sobre todo en bocetos, estructura de esas 8 viñetas, y tratando de elegir cuidadosamente el hilo conductor del que pretendo que sea un proyecto más grande.

Poesía visual:

«Favdicciones».

Hecho en tableta digital, con herramienta carboncillo y añadiendo stickers con los símbolos de las distintas redes sociales.

Historieta: «Caravaggio».

Al ser sólo de una página, he querido dejar la sensación de ser el «tráiler de un cómic» que cuenta la vida del artista Miguel Ángel Merisi, Il Caravaggio. Figura, para mí, histórica y revolucionaria en el arte.

Tinta y carboncillo.

Relatoría: Carla Bosman.

Hecho en papel din A3 con rotulador, tinta y lápiz. Añadido con tableta digital dos de sus obras para formar un collage.

Creo que en esta entrega ha sido en la que más he disfrutado realizándola.

En el 3.2.1. Desplazamiento del significado, los cuatro objetos escogidos han sido una vela de decoración, un lápiz,  la tapa de un cesto y una caja de los caramelos Smint.

He intentado probar con diferentes técnicas en esta entrega pues creo que ello fue lo que más me costó en la anterior. Junto al carboncillo y rotuladores, también he usado acuarela.

En el apartado del collage usé la foto de la Venus afrodita, y junto a la mía de los Lego de Bob esponja, hice un collage con el cuadro de Boticelli. Usé una app para remover a la Venus Afrodita del cuadro original, la superpuse a la fotografía de mi Lego, borré con la app Infinite Painter las figuras de la izquierda del cuadro para pasar a trazarlas yo con la lápiz digital sobre el montaje del cuadro, de forma que quedaran sin colorear y en trazos sencillos.

En el apartado 3.2.2. Expresión en movimiento:

Para el apartado relativo a la Fotografía: tomé una de mi perro mirando por la ventana que me recordó al cuadro de «El caminante sobre el mar de nubes» de Friederich, e hice un intento de reinterpretación de éste. Usé sobre la fotografía tanto rotulador como acuarela, así como la raspé un poco para sacar algo más de color blanco.

Para el apartado Gesto y trazo:

• Para el dibujo del león usé carboncillo.
• Para el movimiento de un objeto (que podemos ver en dos dibujos paralelos, uno antes, y otro tras el tañer de la campana) opté por la acuarela.
• Para el dibujo abstracto también utilicé exclusivamente acuarela.
• Para el apartado de la Figura humana: utilicé lápiz de base, y posteriormente tinta.

En primer lugar incluyo los sketchs, todos a lápiz duro, 3 H y H. Posteriormente la perspectiva Cónica a lápiz y carboncillo y la Axonométrica a lápiz H y finalizado con bolígrafo.

Sigo encontrando dificultades para plasmar la perspectiva en `planos diferentes (en la cónica no he sabido reflejar la pendiente), y tengo dificultades para saber cuándo hay dos o tres puntos de fuga sobre

En la actividad de los Bodegones (dónde he optado por hacer el mismo desde 4 enfoques diferentes) he usado además del lápiz, carboncillo y tinta.

En cuanto a la parte de Observación:

He de decir que en la elección de cada una de las composiciones que he tratado de plasmar en el papel, la idea ha nacido del mero contraste entre cosas cotidianas de uso muy diferente: botes con comida, juguetes de mi hijo, flexo, taza usada como lapicero o un jarrón con flores, una maceta o un busto de un perro, El por qué, ha sido un poco el azar, en verdad. Aunque sí debo reconocer una cosa: nunca fui del género bodegón. Lo encontraba soso, o sencillo. Con estos primeros pasos he descubierto que es lo opuesto. Que todos los objetos pueden resultar divertidos de dibujar, y que sólo hay que encontrar el desafío y el contraste adecuado.

Creo que de entre todas la pruebas de esta entrega la que más me ha sorprendido por frustrante ha sido la de la Memoria. Por cómo uno cree que recuerda lo que acaba de ver y cómo en realidad el trazo lleva por un camino muy diferente. De la prueba y error se obtienen mejoras cada vez más puntillosas, y he descubierto que en el claroscuro se pulen muchas de esas carencias de un primer dibujo. Es un buen maquillaje, por así decirlo, del nexo mente-mano.

Por otra parte la actividad de Síntesis supuso un paso más allá, aunque he de decir que no del tipo «frustrante» como la anterior, sino que la encontré muy didáctica en cuanto a mejora del dibujo al natural. Va a resultar provechosa para dibujar en la calle (algo que a priori me produce cierta barrera de entrada, `pues siento «presión» ante ese paso). Por ello el componer cada vez más rápido el desglose geométrico de una composición cualquiera, ha resultado muy enriquecedor.

Con lo que verdaderamente he disfrutado ha sido con la parte final. El experimentar una misma composición para los bodegones finales (sin duda configurada por los tres objetos que más me han llamado la atención estéticamente mezclados entre sí) me ha resultado muy divertido. Enfocar un mismo dibujo pero desde tres técnicas diferentes (desde sacar la profundidad con el claroscuro, hasta hacer un negativo de ese dibujo, y el ver cómo el trazo del carboncillo o éste mezclado con tinta, son tan diferentes, ha sido sin duda algo muy satisfactorio.

El claroscuro fue la calma. Sacar las texturas con capas diferentes de sombreado, y con la goma, han sido la meticulosidad.

El carboncillo es lo espontáneo. El dejarse llevar. El trazo infantil. El tratar de sacar algo con cortes rápidos de muñeca.

Mientras tanto la tinta sí que me cuesta algo más. Tengo tinta en bolígrafo pero debo probar con tinta en sanguina. Quizá sea más espontánea, más azarosa, más amplia. Con este bolígrafo tengo la impresión de rellenar color, y no me ha gustado. Busco una composición más flexible cuando piensa en tinta, más moldeable y ver a dónde te lleva el surco de tinta, y obviamente no creo haberlo conseguido.

El sacar la forma del negativo de la composición me ha sorprendido por la belleza del resultado final. La dificultad de la mente para interpretar el vaciado de los espacios más pequeños, pero sobre todo algo diferente a lo demás. Creo que se pueden hacer cosas muy diferentes con ello. Experimentaré más este camino.

Por último quise mezclar todos los materiales, con un un bodegón final que aunase todo, son fijarme demasiado en perfiles o contornos. Quizá no fuese el resultado que más me satisfizo, pero me divertí en su ejecución. Era un desafío y cambio constante ver cada material cómo podía convertirse en algo diferente aplicando una capa de otro distinto.

Esta primera actividad (que no sé si he sabido enfocar bien o no), la he tomado tal y como se nos pedía (además de como aprendizaje del uso del campus y sus herramientas), como experimentación de los diferentes materiales, texturas, y trazos. Además me lo he planteado como un ejercicio de dibujo rápido, instantáneo, o espontáneo (contrario a lo que suelo estar acostumbrado) y como una manera de evaluar si los materiales que he adquirido son de una calidad, al menos, decente.

Para dar contexto a todo lo anterior, yo estoy acostumbrado a dibujar con lápiz y carboncillo, con claroscuros, y a un dibujo pausado, copiando imágenes, fotografías o cuadros y composiciones que me gustan. A ir, digamos, sacando las siluetas de las sombras. Asumo el Taller (y sobre todo el Grado) como un proceso mental que me permita abrir esas fronteras, romper el corsé imaginativo y desatar la capacidad de composición y de dibujar al natural.

Contemplo el Grado y sus asignaturas, además de como un proceso para aprender técnica (siento, por ejemplo, frustración a la hora de dibujar paisajes y de usar la perspectiva o el color y la forma de mezclarlo me suponen un desafío nuevo),  como un ejercicio de saber abrazar lo abstracto, de apreciar lo intuitivo, y de romper las barreras mentales que pueda traer conmigo.

En la actividad inicial de «Texturas» (dibujos 1 a 7) sencillamente he dibujado de forma espontánea y con trazo rápido cosas que tenía delante de mí, bien alternando el mismo dibujo pero con diferente material o bien sencillamente dibujando por el placer de experimentar.

El lápiz o el carboncillo (si bien acostumbro a dibujar de una forma más pausada) es para mí la familiaridad. Probé las barras de grafito también y las encontré relajantes, perfectas para la improvisación y el atrevimiento. En cambio el uso de acuarela y el color ya me trajo algo más de frustración. En primer lugar creo que porque debo mejorar la calidad de la acuarela y el pincel utilizados. No agarraban bien al papel ni permitían mezclarse bien los colores. Aunque he de decir que los pocos momentos en los que el trazo «cuajaba bien» era bastante satisfactorio el efecto conseguido. La suavidad de la acuarela invita a la pausa pero también te hace «temeroso» al error en el trazo. En ese sentido la veo parecida al uso del claroscuro cuando ya se están perfilando con 6B o 9B las partes finales: cualquier error resulta fatal.

La pretensión de los diferentes dibujos ha sido meramente experimental, figurativa y rápida para ver qué ejecutaba la mano de un mero vistazo por la ventana o a mi alrededor de los objetos de la habitación. Quizá, fruto de ello, se ha acentuado mi «preocupación» ante la dificultad que encuentro para dibujar perspectivas correctas y paisajes. Noto que mi mano y mi mente no están entrenados para plasmar lo que ven mis ojos. Siempre he dibujado en primer plano, retratos, centrándome en la figura o el rostro humano, en gestos, en algo más de realismo, pero nunca en encuadres de escenas amplias, objetos y colores.

– Los dibujos 1 a 3 son un mismo boceto rápido sobre un macetero con una taza de café, con una estantería de fondo. Sin detalle, ni perspectiva, ni más pretensión que ver cómo sentía hacer una misma cosa con diferente textura (lápiz, carboncillo o tinta). La tinta te exige tener claro el trazo, siendo más vistoso con menos (como el grafito o el carboncillo).

– En el  dibujo 4 he trazado con pinceladas rápidas e intuitivas lo que veo por la ventana de una habitación (una escultura en un parque). Lo primero,como ya he señalado, es que me resultó frustrante el uso de la acuarela creo que por la calidad del material en sí. Costaba cada pincelada, no mezclaban los colores, y no era suelto el trazo. Me causó también frustración el no encajar el paisaje con una perspectiva mínima que diera impresión de volumen o tridimensionalidad. Si bien fue un ejercicio de experimentación en el trazo, sí que me hice «autorecalcarme» mi déficit en ese aspecto cuando de paisajes hablamos. Sé dar volumen desde el claroscuro y los primeros planos, pero no desde la amplitud de un paisaje. Ahí poco difiero de un dibujo infantil.

– En el dibujo 5 experimenté en técnica acuosa con el color amarillo para esbozar el típico recuerdo de la torre Eiffel y una taza que estaba junto a éste. Me gustó el efecto sombra a los pies de ambos bocetos.

– En el dibujo 6 a pastel esbocé rápidamente el mismo árbol que veo a través de la ventana. Me divirtió usar los dedos para difuminarlo, y cada movimiento sobre el papel me parecieron enérgicos, rotundos. Lo mismo puedo decir sobre la cabeza de caballo inspirada en el propio dibujo que en la cajetilla de pasteles venía impresa. Con poco se afloran resultados

– Por último el dibujo 7, también con técnica acuosa, fue de entre todos los de esta técnica, el que mayor satisfacción me produjo en el trazo (junto al dibujo 13 de mi perro) por conseguir en poquísimos trazos poder visualizar lo que quería transmitir.

En los dibujos de la actividad de «Gestos, movimientos y expresiones» (dibujos 8 a 14) me he permitido ir de lo más abstracto (lo que me evoca en la mente el pisar pesado de un dinosaurio en el dibujo 8, o el aleteo de una mariposa en el dibujo 9), hasta un boceto a «vuelapluma» en bolígrafo sobre el caminar de un lobo sobre la nieve -dibujo 10-, o el movimiento que me imagino de un jueguete de mi hijo que es un canguro boxeador -dibujo 11-.

En acuarela he intentado desde plasmar sin más pretensión lo que mi mente entiende por el movimiento marino (en una especie de peces o calamares) – dibujo 12-, hasta intentar reflejar la paz que la quietud de mi perro echado junto a mí me transmite (en este caso he querido reflejar el movimiento por contraposición: éste se produce alrededor nuestra, a través de las hojas del árbol que se va deshojando -dibujo 13-). También he trazado el boceto de una foca (inspirado en un peluche de mi hijo) siendo el aleteo o agua sacudida de su alrededor lo que me da su movimiento -dibujo 14-.

De entre todos, el dibujo de las huellas del dinosaurio es el que más relajación me ha producido realizarlo, el que más libertad he sentido plasmándolo y mejor creo que ha conseguido reflejar lo que mi mente proyectaba en mi imaginación, seguido del aleteo de las mariposas y las espirales aleatorias que forman al volar.

En la actividad tercera de «escala de grises» (dibujos 15 y 16) sencillamente trato de conseguir el resultado de sombreado pedido.